Mort Cinder, el pasado respira

Hace unos años, en el 2002, escribí este artículo para el número tres de la revista Yellow Kidd. Investigué y trabajé gracias a la petición que me hizo Rafael Marin. Conseguí una aportación fundamental por parte de Jesús Cuadrado quién me ofreció una serie de archivos y documentación que resultaron indispensables para conseguir realizar el artículo con dignidad; también recuerdo con cariño como Francisco Marchante me ofreció una de las fuentes.  Sin pretenderlo, sin siquiera darme cuenta escribí mi primer artículo.

Ahora, debido al interés de Félix López y Manuel Barrero y a su página TEBEOSFERA, se recupera después de haber sido reescrito además de completarse con la última publicación que se realizó de Mort Cinder en nuestro país.

Por fin puedo darlo por acabado después de tantos años.

El artículo lo pueden leer aquí.

A todos ellos gracias.

Educación y Biblioteca nº 183

Acaba de aparecer la revista Educación y Biblioteca de Mayo-Junio de 2011 en su número 183 con un dosier dedicado al ilustrador levantino Miguel Calatayud. El dosier se llama Inalterable fascinación y ha estado coordinado por Gustavo Puerta Leisse. Han colaborado Miquel Obiols, Javier Carvajal, Ana Luisa Ramirez, Pilar Sancho, Jesús González, Vicente Ferrer, Gamon, Joan Manuel Gisbert, Vicente Vilana, Pablo Auladell, Rogelio Rodríguez, Joaquín González, Miguel Ángel Díez, Aitana Carrasco, Artur Heras, Pablo Alberto Mestre, Federico Martín Nebrás y quien suscribe.

Sergio Cordoba. Trazos de vida

Acaba de aparecer en TEBEOSFERA un nuevo artículo que he escrito sobre la trayectoria principal del autor alicantino Sergio Córdoba. Se anunció ayer en su blog, concretamente aquí. El artículo lo pueden leer aquí. Además, TEBEOSFERA realizó una interesante entrevista al autor que pueden leer aquí. Espero que les guste. Ya me comentan.

Las ciudades oscuras

Hace ya algunos años, en el 2003, escribí un artículo para la revista Las Estaciones de Nemo, fue publicado en su número 25 y supuso el inicio de mi relación con aquella publicación. Lo pueden consultar aquí, aquí y aquí.

Ahora, desde TEBEOSFERA me propusieron reelaborar aquél escrito actualizándolo hasta la fecha presente. La propuesta partió de Félix López y de Manuel Barrero.

Las ciudades oscuras, como saben, es una de mis debilidades, acepté enseguida.

Acaba de aparecer y de ser publicado en TEBEOSFERA.

En su blog fue anunciado ayer, pinchen aquí. El artículo lo pueden leer y consultar aquí.

Espero que les guste. No sean tímidos y díganme que les pareció.

Es curioso, este artículo, al igual que dio lugar al inicio de mi colaboración con Las Estaciones de Nemo, lo va a ser con TEBEOSFERA.

Curioso, ya les digo.

Naoki Urasawa II

20th Century Boys

Planeta DeAgostini lleva publicados hasta el momento seis de los dieciocho tomos aparecidos de este trabajo. A diferencia de la edición de Monster se han decantado por la publicación de la obra en el formato original de tomo japonés y con sentido de lectura oriental.
A finales de la década de los 60 unos niños inventan un juego. Elaboran sus reglas e imaginan una gran amenaza que pondrá en peligro a la humanidad. Determinan que la fecha crucial para este devastador ataque sea la última noche del siglo XX: Nochevieja del año 2000. Los adultos olvidan su infancia, no la recuerdan, ni la sienten. Es 1997, los niños han crecido y han olvidado aquel juego que inventaron. Kenji regenta una franquicia. Al desaparecer su hermana está cuidando de su sobrina Kanna. Un símbolo llega a sus manos. Le inquietará de forma subjetiva. Al morir un amigo de su infancia volverá a encontrarse con el mismo dibujo. Será el detonante que le hará investigar. Una secta cuyo misterioso líder al cual llaman “amigo” ostenta como emblema este dibujo.
Comienza una sucesión de idas y venidas en el tiempo; el presente se hará pasado y éste volverá en un bucle a entrelazarse. Los recuerdos emergerán y la trama ira aumentando conforme avanzamos en sus revelaciones. Recordaran aquel juego que inventaron. Se darán cuenta que el juego ha tomado una dramática realidad. Se buscarán y se unirán. Una extraña epidemia se propagará por aquellos lugares que seleccionaron en su niñez. “La fantasía se ha hecho realidad y este es el resultado”. Es la frase que dice uno de los personajes y que resume a la perfección el sentido de este trabajo.


Naoki Urasawa mantiene la tensión en estos primeros capítulos. Dosifica las revelaciones elegantemente. Nos caracteriza, como ya parece ser marca de fábrica, a una gran cantidad de secundarios de manera prodigiosa. Y cuando le place da uno de sus giros de timón que nos desconcierta y hace que la historia que creíamos conocer se nos abra a posibilidades que no esperábamos. En el tomo cinco dará el primer giro importante en la acción, giro, que nos llevará a un terreno nuevo. Un personaje secundario hasta el momento tomará el relevo en la narración. En el transcurso del tomo diez, Urasawa, dará otro importante e imprevisible giro a la obra.
Kenji es un personaje muy parecido al doctor Tenma. Los dos se han visto obligados a huir por razones impredecibles que les ha hecho variar el sentido de su existencia. Ambos se encuentran con un enemigo, en cierta forma, invisible e inalcanzable. En esta comparación lo que diferencia a los dos personajes es la forma de enfrentarse al pasado. Tenma busca entre documentos y periódicos reconstruyendo la figura de Johan. Kenji busca en objetos del pasado la chispa que le haga recordar todos los detalles de su infancia. El pasado es uno de los temas recurrentes de la obra de este autor, así como las relaciones entre padres e hijos. Kenji tiene muchas dificultades para relacionarse con su madre. Un personaje clave en la narración de su anterior trabajo, Roberto, cuya adoración por Johan le hace llegar hasta límites insospechados está representado en esta obra en el “relaciones públicas” de la secta amigo Inshû Manjôme. No acaban aquí los paralelismos y similitudes entre los dos trabajos.
20th Century Boys ha conseguido lo que parecía en un primer momento un handicap infranqueable. Ha superado la efigie de Monster y se ha transformado en la serie más laureada y esperada del autor.

© Pedro F. Navarro, 2005

(Artículo inédito que iba a ser publicado originalmente en la revista Las Estaciones de Nemo nº33 en el verano de 2005)

Naoki Urasawa I

¡Mira que grande se ha vuelto el monstruo en mi interior!

Hemos leído cientos de páginas de Urasawa desde que en el año 2001 dentro de su colección Pachinco, Planeta DeAgostini comenzará la publicación de Monster. Treinta y seis tomos que reúnen los dieciocho volúmenes que componen la serie, cerca de tres mil seiscientas páginas, publicadas en tres años. Monster es una obra con una fuerza inusitada te obliga a pasar una página tras otra, no te suelta, no te deja respirar, sigues leyendo y leyendo…, ahora nos llega su siguiente obra 20th Century Boys.

Del inicio a la consagración

Naoki Urasawa nace en Tokio en 1960. Compagina sus estudios de instituto con sus dos aficiones la música y el dibujo de manga. Diplomado en Economía consigue en el año 1982 el premio al mejor autor novel de la editorial Shôgakukan con el trabajo Return. Un año más tarde debuta como dibujante de manga en esta editorial con la historia corta Beta!. Urasawa considera que su objetivo primordial es llegar con sus mangas a todo el mundo “A mí lo que me gustaría es que hubiera un manga mío en cada casa japonesa”. Sus trabajos primerizos para la editorial que le había abierto las puertas fueron recopilados en dos volúmenes Dancing Policeman (1987) y N.A.S.A. (1988). Su primera obra de gran envergadura fue Pineaple Army (8 Vols. 1985-88) bajo guiones de Kazuya Kudô. En España conseguimos disfrutar en el año 1994 de un volumen de este trabajo, además de contar con la historia Hot-Shot con guiones de Shibusawa durante una serie limitada de cinco números con formato comic book.
Cuando finaliza Pineaple Army en 1988 se produce un hecho característico en la obra del autor. A partir de este momento realiza de forma paralela dos series. Esta situación no merma la calidad de sus producciones sino todo lo contrario continúa en aumento conforme se incrementa el ritmo de producción. Ritmo que ya no ha abandonado.
Con la publicación de Yawara! (29 Vols. 1987-1993) se produce el primer gran éxito comercial de Urasawa. Es la historia de una chica, Yawara “Ginger” Inokuma, sobre un fondo de comedia romántica. Transcurre la acción en los campeonatos del mundo de judo. Yawara desea tener una vida normal, enamorarse, salir con chicos de su edad, pero su abuelo la obliga a llevar una vida dedicada a las competiciones de judo. Su versión animada fue emitida en canales autonómicos en España con el titulo de Cinturón Negro. Yawara! consiguió hacerse un hueco entre los telespectadores de todos los países donde fue emitida la serie. Master Keaton (18 Vols. 1988-94) guionizada por Hokusei Katsushika narra la historia de Taichi Keaton un ex instructor de los servicios secretos británicos. Al finalizar Yawara! Naoki continuó con una nueva serie de tono deportivo Happy! (23 Vols. 1994-99) donde una chica joven es obligada por las deudas que tiene su hermano a entrar en el competitivo mundo del tenis. El tono de la serie es mucho más oscuro que Yawara!, el autor abandona la comedia romántica para profundizar en un tono donde las referencias sexuales se hacen explicitas.
Acaba Master Keaton en 1994 y es el momento en que comienza a publicarse Monster (18 Vols. 1994-2002) en la revista quincenal Big Comics Original de la editorial Shôgakukan un 20 de diciembre. Es la serie más conocida del autor en nuestro país. En 1999 inicia un nuevo trabajo al acabar Happy! : 20th Century Boys. Llevan publicados en Japón 18 volúmenes de esta serie todavía inacabada. La última obra que ha visto la luz se inició en septiembre de 2003 Pluto basado en una de las historias de la serie Astroboy de Osamu Tezuka.


Monster

Sin duda la obra más conocida por todos los lectores españoles publicada en treinta y seis entregas por Planeta DeAgostini dentro de la colección Pachinco entre octubre de 2001 y octubre de 2004.
El doctor Kenzo Tenma es un neurocirujano japonés que trabaja en un importante hospital de Alemania. Unos gemelos son ingresados, el niño está herido de bala en la cabeza, la niña en un estado de shock. En el momento en que el doctor Tenma va a comenzar la delicada operación del niño, el alcalde acaba de ser ingresado de urgencia debido a una trombosis cerebral. Se informa a Kenzo que debe abandonar la operación del niño en favor de la del alcalde. El doctor se niega en rotundo. Decide operar al niño y dejar al alcalde en manos de otros compañeros. Toma esta decisión obviando el estatus social de las personas que para él son todas iguales y a favor del orden de entrada en urgencias. Decisión que afectará profundamente su vida. El alcalde muere y todas las aspiraciones del doctor se ven truncadas. Un deseo junto a la cama del niño, Johan, hará tambalearse la historia. El deseo se acaba cumpliendo. Los tres jefes directos de Tenma mueren de envenenamiento en extrañas circunstancias al mismo tiempo que los gemelos desaparecen del hospital. El doctor Tenma será la persona más beneficiada por estas muertes siendo para el inspector de la BKA Lunge el principal culpable. Nueve años más tarde el niño Johan vuelve a aparecer ante el doctor inculpándose de los crímenes que se cometieron en el hospital. Un nuevo asesinato se produce. Se culpa a Tenma que no le queda más remedio que huir a la búsqueda de Johan para demostrar su inocencia.


La serie es un thriller de acción con elementos de horror que define una atmósfera malsana transcurriendo la acción entre Alemania y la Republica Checa. Ambientación un tanto desconcertante, en principio, para un autor japonés de la que sale airoso tanto en caracterización de personajes como en localización de unos exteriores precisos. “Alemania es un país entre este y oeste, a ojos de los japoneses tiene una imagen como gótica, y ese es precisamente el ambiente que quería para el manga, un ambiente europeo…Por esta razón elegí Alemania”
En la obra desfilaran un número importante de personajes secundarios todos perfectamente caracterizados y piezas del rompecabezas que nos propone Naoki Urasawa. La trama avanza de sorpresa en sorpresa y la acción se mueve de un personaje. Todas las piezas encajan perfectamente. Paralela a la trama principal nos encontramos con pequeñas historias perfectas que nos hacen respirar entre la tensión de la trama principal y son de forma independiente pequeñas joyas de narración como en el capítulo 16 titulado El mercenario y la niña o en el capítulo 32 Cinco cucharadas de azúcar donde la acción transcurre entre flashbacks del pasado mientras nos narra el proceso de aprendizaje del doctor Tenma y de Nina Fortner. Aprendizaje que transforma a los personajes en perfectos mercenarios.
Todos los personajes de un modo u otro están solos o lo van a estar. El doctor Tenma en su huida; su antigua novia Eva Heineman rechazada; el inspector Lunge será abandonado por su mujer e hija; Dieter el niño que rescata el doctor es un huérfano; Grimmer un periodista freelance esconde un oscuro pasado que le aísla socialmente; Richard Braunn, detective privado, en proceso de desintoxicación abandonado por su mujer e hija; Hans Schuwaltz, el hombre más poderoso de Baviera, busca entre estudiantes que le leen libros el reflejo de aquel hijo que perdió y no conoció; Margot Lange prostituta de lujo abandona a su hijo. La soledad, la incomunicación la vemos reflejada en las páginas de la serie. De la mano del doctor Guillen y de sus entrevistas con varios psicópatas tendremos un retrato de esta falta de comunicación.


Una de las tramas secundarias de la serie radica en las dificultades en las relaciones entre padres e hijos. Todos los personajes tendrán dificultades para relacionarse con sus padres o con sus hijos. Verdadero motor de la trama que podremos observar desde todos los puntos de vista posibles así como desde las distintas edades de los personajes. Mijail Ivanovich Pedrov ex director del orfanato Kinderheim 511 verdadero padre de los aterradores experimentos con los niños aparecerá en la serie de mayor y cuando su visión de la educación ha cambiado radicalmente. Kall Neuman abandonado por su madre conoce la identidad de su padre pero se verá inmerso en las dudas que genera su ingenua personalidad.
El doctor Tenma es el arquetipo de héroe mítico: joven, humilde, sencillo se ve inmerso en un suceso o catalizador de la trama que pese a su reticencia inicial retornará para obligarle a tomar un camino para él impensable. Comenzará una preparación para los nuevos retos y obstáculos que tendrá que afrontar. Cambia de un mundo ordinario a otro extraordinario produciéndose una catarsis en su carácter. Comenzarán las pruebas y obstáculos que hacen avanzar la historia. Al final del capítulo 102 el doctor tocará fondo siendo encarcelado, situación que le lleva a un renacimiento, al querer salvar la vida de la que fue su novia: Eva Heineman. Será el momento de la prueba final y definitiva para Tenma la que le llevará a su transformación última y a quedar imperecedero en el recuerdo de los lectores de sus aventuras.

(Continuará...)

© Pedro F. Navarro, 2005

(Artículo inédito que iba a ser publicado originalmente en la revista Las Estaciones de Nemo nº33 en el verano de 2005)

Nouvelle Manga

Una iniciativa de autor

Cuando en el año noventa y uno en el festival internacional de la bd de Angoulème Frédéric Boilet tomó contacto con el manga japonés y con un desconocido Jiro Taniguchi poco había de imaginar lo que realmente significaba el fenómeno manga y la amplitud de sus propuestas en su país de origen . Tras diez años de evolución personal, y de fijar definitivamente su residencia en Japón, Boilet acuña un termino por iniciativa propia y desmarcándose de la figura de la editorial como apoyo. Es la consecuencia directa del aprendizaje del nuevo mercado que se abrió ante él. El término todos lo conocemos Nouvelle Manga.

Diferencias y coincidencias

Según Boilet la historieta en su ámbito comercial está dirigida fundamentalmente a un público masculino y adolescente. Podemos encontrarla definida en los términos “Cómic” para el mercado americano, “Bd” para el francés y “Manga” para el japonés. Centrándonos en los dos primeros países, durante la segunda mitad de los años ochenta y durante los noventa se han dado una serie de circunstancias que han hecho que la historieta haya buscado nuevos horizontes y un público más allá del adolescente, siempre fuera del ámbito de la industria y de los circuitos comerciales. Estos mercados comerciales han acuñado unos formatos férreos de edición que involucran clichés, tópicos y defectos. El autor más independiente ha intentado huir de estas jaulas, y a la hora de contar historias más profundas o de una mayor extensión ha tenido que buscar otros formatos. Quizás en Francia la diferencia sea mayor. Del formato álbum de 48 a 56 páginas a color se ha pasado a un formato más reducido en tamaño, con más páginas y en blanco y negro. De esta forma se ha dado una coincidencia de formatos en países distintos, y a la vez, una cierta coincidencia temática. La búsqueda de historietas que cuentan historias de la vida cotidiana. Podemos señalar recientemente del mercado americano Blankets de Craig Thompson, o del francés, Píldoras Azules de Peeters o los inéditos Journal de Fabrice Neaud o Le photographe de Guibert, Lefevre y Lemercier. Boilet acentúa esta coincidencia temática de contenido y continente (1).


Se acuña el término

Durante una comida una tarde a finales de noviembre del año 2000, Boilet que pretendía encontrar una sala donde exponer sus originales se topó con una propuesta por parte de sus comensales del Art-link que superaba todas sus expectativas. Estaban interesados en realizar todo un acontecimiento con respecto al estilo que habían leído en prensa él representaba: Nouvelle manga (2). Desde ese día Frédéric y Naito Yamada tuvieron un cheque en blanco para organizar lo que creyeran oportuno. Unos meses después Naito abandonaba el barco. Frédéric y Art-link fueron finalmente los responsables de su organización y todo lo que acarreaba el poder producirlo. Del 29 de septiembre hasta el 14 de octubre de 2001 en Tokio dentro del festival Art-link 2001 se celebró el evento Nouvelle Manga que estuvo compuesto de cuatro exposiciones y de una performance. Se invitaron como representantes franceses a Fabrice Neaud, David B. y Loïc Néhou los dos últimos además como representantes de los sellos editoriales independientes l’Association y Ego comme X. Se realizó una primera exposición en la prestigiosa sala de exposiciones Masaki Kinenkan en el Museo de Bellas Artes de Tokio. Concebida por el arquitecto Tomomichi Natsume los originales no se expusieron sobre paredes sino agrupados sobre vitrinas en horizontal aprovechando el ambiente de casa japonesa que lo albergaba. La casa nouvelle manga agrupó la performance y la exposición de los coloristas Walter y Yuka. La performance proponía la puesta en escena de un estudio de un autor de Bd. Los visitantes eran recibidos por un autor y podían compartir sofá, y establecer un contacto con la realidad cotidiana de un autor de historietas. Junto a Boilet estuvieron presentes en la performance todos los autores invitados. La tercera exposición era la instalación dedicada a Fabrice Neaud autor de la obra Journal. Alrededor de dos planchas originales la arquitecta de interiores Satoko Kojima realizó una instalación con los elementos que sirvieron al autor de inspiración para realizar esas páginas. La cuarta y última exposición se realizó en las calles y barrios adyacentes donde se expusieron reproducciones de las páginas de los álbumes a los que hacia referencia el evento. Supuso por primera vez la aparición del sello Nouvelle Manga en un álbum de historieta. La espinaca de Yukiko fue publicado simultáneamente por ediciones Otha Shuppan en Japón y ediciones Ego comme X en Francia en aquel septiembre de 2001.


Nouvelle Manga en España

Nouvelle Manga es “un sello que comparten desde ahora seis editores, Casterman, Ego comme X, La Boîte a Bulles en Francia, Ohta Shuppan en Japón, Ponent Mon en España, Fanfare en el Reino Unido y los Estados Unidos, para presentar a los lectores del mundo, dejando de lado orígenes geográficos y asuntos de género, las creaciones o las traducciones en varias lenguas de lo mejor de la historieta internacional” (3). Mientras que en Francia tanto las series de creación como de traducciones se reparten en varios sellos, Casterman edita el material de Jiro Taniguchi, la colección Sakka de Casterman publica Kinderbook y Blue, La Boîte a Bulles La casa de enfrente o Ego comme X La espinaca de Yukiko; en España todos los álbumes del sello Nouvelle Manga así como las traducciones han visto la luz dentro de la editorial Ponent Mon. Comenzó con la publicación de La espinaca de Yukiko y Kinderbook en el año 2003. Mariko Parade, Blue y La casa de enfrente se publicaron a lo largo del año 2004. Estos cinco álbumes son los que representan lo editado bajo esta etiqueta y la totalidad de las obras que forman parte de la Nouvelle Manga (4) publicado en nuestro país.

Nouvelle Manga. Traducción

Hay una diferencia básica: los álbumes que consideramos como Nouvelle Manga son de creación pero hay otros que ostentan la etiqueta y son sólo traducciones. Boilet ha realizado traducción y adaptación gráfica para los mercados occidentales de las obras Barrio lejano y El olmo del caúcaso de Jiro Taniguchi publicados aquí por Ponent Mon, de El hombre sin talento de Yoshiharu Tsuge, inédito pero de próxima aparición y la traducción para el mercado japonés de un álbum de El pequeño vampiro de Joan Sfarr.


Los Autores. A grandes rasgos

Frédérick Boilet desde su manifiesto nos indica que Nouvelle Manga es una expresión de la complicidad entre la bd y manga de autor siendo siempre una iniciativa de autor lejos de la estrategia comercial de las editoriales o de las librerías de importación, que englobaría obras sobre temática de la vida cotidiana, bien autobiografías, bien documentales o bien de ficción.

Kan Takahama (Amakusa, Japón, 1977) conoció a Boilet después del evento de la Nouvelle Manga un abril del año 2002, este encuentro les sirvió para unificar expectativas. Supuso la adhesión al movimiento de la joven mangaka. Como fruto daría lugar al libro Mariko Parade que aparecería un año después en 2003. Ha publicado además Yellowbacks en el año 2002(Kinderbook), y su primera historia para Francia Besos desde Angoulème apareció en la revista Bang! nº2 en el 2003. En abril del año 2004 apareció en Japón su último libro Awabi.

Kiriko Nananan es quizás la autora más misteriosa. Comenzó a publicar historias cortas en 1993 dentro de la mítica revista Garo. En 1996 se iniciaría con historias más largas siendo Blue su primer álbum. Dentro de la colección Sakka en Francia durante el mes de junio se publicará un nuevo álbum que contendrá algunas de sus historietas cortas y se llamará Water.

Vanyda nacida hace 24 años en Castelnaudary, estableció un estudio en Lille junto a sus compañeros David Boldwin y François Duprat. Comenzó publicándose material en fanzines y realizó una primera versión de La casa de enfrente de 80 páginas fotocopiadas en el verano de 2002 que llegó a manos de Boilet. Más tarde en enero de 2003 se conocieron y se decidió a reeditar en La Boîte a Bulles una nueva versión del libro junto a un prefacio escrito por Boilet. En agosto de 2003 en la editorial Editions Carabas publicó su primer álbum a color L’année du dragon, serie de tres libros de los cuales han visto la luz dos y bajo guiones de su compañero François Duprat.

Esto es a grandes rasgos lo que representa la etiqueta Nouvelle Manga.


Notas

1. http://www.boilet.net/es/nouvellemanga_manifeste_1.html

2. En enero del año 2000, el periodista Chie Sumiyoshi en el magazine de moda Ginza publicó un artículo referente a la obra de Boilet con el titulo: Nouvelle manga. La boda entre la bd y la manga.

3. Las fronteras de la nouvelle manga. Frédéric Boilet. Trama, nº40. Astiberri. 2004.

4.
La espinaca de Yukiko. Frédérick Boilet.Ponent Mon. 2003
Kinderbook. Kan Takahama. Ponent Mon. 2003
Mariko Parade. Frédérick Boilet-Kan Takahama. Ponent Mon. 2004
La casa de enfrente. Vanyda. Ponent Mon. 2004
Blue. Kiriko Nananan. Ponent Mon. 2004

© Pedro F. Navarro, 2005

(Artículo publicado originalmente en la revista Las Estaciones de Nemo nº32 en la primavera de 2005)

Años de Injuve II

De las coediciones

Se inició tras el certamén del año 1999 una serie de coediciones con editoriales que ayudaba al inicio de los primeros álbumes en solitario de los autores premiados. La coedición consistia en la presentación de un proyecto a una editorial, y si ésta accedia a su publicación entraba en contacto con el INJUVE que apoyaba la publicación del álbum. Se daba un paso hacia delante nunca intentado y que tan buenos resultados ha cosechado. En el año 2000 durante la inauguración del INJUVE y como vendría a partir de este momento a ser normalidad se presentaron los albumes que habian recibido la coedición. Cinco fueron las propuestas Gracias por su visita de Carlos Maiques, Kamchudtka de Francisco Marchante, Cambiovida del colectivo Haciendo el León (David Heras, Gerardo Sanz, Nacho Casanova y Vanesa Idiáquez), Angela y Clara de Calo, Cosecha Rosa de Jose Luis Agreda. En el año 2001 fueron Horizontes Lejanos de Santiago Valenzuela, El Camino del Titiritero de Pablo Auladell, y el álbum colectivo Plagio de Encantes coordinado por Jesús Cuadrado. En el 2002 verian la luz Raymond Camille de Laperla y Kosinsky, Freda de Kike Benlloch y Alberto Vázquez, el apoyo a los dos primeros números de la revista TOS y el álbum colectivo que adaptaba la obra de Joseph Conrad El corazón de las tinieblas coordinado por Jesús Cuadrado. En el 2003 fueron El diario sentimental de Julian Pi de Lorenzo Gómez, Los dias más largos de Fermín Solis, Prologo de una historia de Tomeu Morey, las portadas para la revista teatral Ñaque, y la obra colectiva Tapa Roja coordinada por Jesús Cuadrado. En el 2004 y hasta la fecha han sido Las manos de Sophie Walder de Gustavo Rico y Alexandre D’Avenç y Pl*xi*gls de Jali. Las editoriales implicadas en estas coediciones han sido Sins entido con seis coediciones; Edicions de Ponent con cinco; Undercomic y Astiberri con dos cada una; La Cúpula, Ediciones Balboa y 17x24 con una respectivamente. (Cabe destacar de entre las coediciones el simbólico libro Tapa Roja que une la genealogia truncada, junta en sus páginas a autores de distintas épocas y les ofrece caminar de la mano en un mismo proceso como es el de la adaptación a historieta de un póema). Estos libros han supuesto el reconocimiento y la confianza en unas firmas, insisto, desconocidas hace un par de años cuyos nombres se han consolidado entre un número cada vez más amplio de publico. Recibiendo en poco tiempo un buen numero de nominaciones a premio en distintos eventos así como algún que otro galardon.


Del futuro

La verdadera esencia del INJUVE la constituyen sus catálogos, perduraran. Más allá camina la acertada línea de la coedición. Supone un verdadero futuro. Los concursos eran una primera piedra de toque para los autores. Las coediciones obligan a realizar un libro trabajando junto a una editorial, aprendiendo tanto a presentar sus propuestas, como a la elección de diversos parametros ajenos a la historieta corta, como la confección de una portada por poner un ejemplo. El verdadero éxito lo supone la evolución de los autores desde el catálogo hasta su primera obra publicada, además de poder trabajar en sucesivos proyectos con la editorial como ha sido el caso de Santiago Valenzuela o de Fermin Solis. Los autores se han enfrentado a su jurado último, el público, que le repudiará o aceptará. Como dice Cava: “En la historieta de hoy, afortunadamente, todo cabe y todo puede convivir al unísono”. Aún no podemos calibrar la importancia del INJUVE, me atrevo a decir que decisiva, en muchos autores con obras que, en este país que no se puede vivir de la historieta, si no hubieran visto la luz por este medio con toda probabilidad no habrian pasado de ser proyectos o quizás no haber existido. Desgraciadamente Jorge Díez ha tenido que dejar, una vez más, el INJUVE. El concurso desaparece, las coediciones también. Se inicia una interrogante penosa, ¿volvera a existir el Certaman de Cómic e Ilustración INJUVE? Jesús Cuadrado llamaba a esta historieta “insurgente” y nos dice “Insurgencia, hoy y aquí es, y deberá ser conciencia de vida. / Insurgencia es libertad.” El INJUVE ha hecho libre a la historieta durante estos seis años, años de INJUVE, años de narración gráfica en estado puro, años de libertad. No la perdamos. No la olvidemos.


Quisiera dedicar este artículo a todas las personas que han hecho posible la existencia del INJUVE en todos los ámbitos. Así como a las editoriales que apoyaron a unos autores desconocidos. A todos ellos gracias por el sueño. No me despierten.

Y en especial, a Meli, por su paciencia.

© Pedro F. Navarro, 2004

(Artículo publicado originalmente en la revista Las Estaciones de Nemo nº31 en el otoño de 2004)

Años de Injuve I

Seis ensoñaciones en medio de una soledad

El INJUVE ha sido la respuesta a toda una generación de creadores, un empuje tan necesario que, sin su existencia, con toda probabilidad la genealogía ya truncada, no hubiera sido restablecida tras años de deterioro y olvido. Ha sido el caldo de cultivo que ha provocado una avalancha de páginas de calidad cuya motivación fue este certamen, páginas que de otro modo y sin plazo hubieran sido realizadas con menor premura y quizás nunca hubieran existido.

De cómo llego a ser

Antes de ser, fue, y así entre los años 1990 a 1992, bajo coordinación de Felipe Hernández Cava y por encargo de Jorge Díez desde el servicio de publicaciones se realizó una sección dedicada a la historieta dentro de la revista Injuve, acompañada de la muestra anual llamada Nuevas Viñetas (1). Se presentaron autores jovenes y en número de trece por año (2). En 1997 con la vuelta al Instituto de la Juventud de Jorge Díez al servicio de Programas del Injuve se establecieron una serie de concursos, entre ellos uno dedicado a la historieta. Eran años en los que una mirada distinta no tenía ubicación alguna, ¿qué salidas reales tenían autores nóveles?, existian unos pocos, muy pocos, fanzines en los que esa mirada podía encontrarse. Aquellas bases del año 1998 abría una pequeña puerta a unos autores, que casi sin haber publicado, sin tener obra en las estanterias, se encontraban con que no tenían salida alguna ni posibilidad de mostrarse. La mirada distinta (3), la no inerte, no existía de forma constante en el momento en que aparecieron las bases para la primera edición del nuevo Cértamen de Cómic INJUVE, la homogénea monotonia de las propuestas nos hacía añorar un pasado de Madriz y Cairo, de Medios Revueltos y Ojo Clínico, un pasado donde hubo cierta gloria y cierta repercusión social. ¿Qué pudo sentir el autor ante semejante propuesta? Tan distinta y de ruptura comparada con el resto de concursos y certámenes del país. La primera impresión sin lugar a dudas fue la incredulidad, releer las bases sin descanso se transformó quizás en una necesidad en un hábito que a fuerza de su relectura la transformáse en realidad. Hasta aquel momento ante el autor sólo había la nada más abrupta frente a las páginas del fanzine. La repetida vuelta a la fotocópia y a la imprenta amiga. El INJUVE representaba una via de escape, un lugar para transitar, una invitación, un pasaje. Varios premios de cuantía estimable, una exposición con una itinerancia, un catálogo sin ningún límite técnico, no importaba si las páginas ya habían sido publicadas, se premiaba el trabajo aunque no fuera inédito, la presentación de un dossier de copias nunca de originales. En la propia organización se esperaba con expectación la respuesta, el planteamiento dependía de si existía la calidad, no ya notable, sino suficiente para mantener el proyecto el mayor tiempo posible, e incluso algún miembro tenía sus dudas a este respecto. En Noviembre de 1998, los autores premiados y seleccionados viajaron hasta Madrid, y empezaron a sentirse parte de un todo, a sentir la historia que les precedió, a ser parte de ella. Las dudas se resolvieron, el primer certamen fue un éxito desde todos los puntos de vista, de la organización, de los premiados y seleccionados; y para el autor, sobre todo para él, aquello no era más que la huida de la insula.


De cómo ha sido

Seis certamenes, seis años de ilusiones, han hecho cambiar muchas cosas. José Luis Agreda, Mayte Ayala, Nacho (Ignacio Casanova), Juan Sin Miedo (Alfonso Abad y Germán Tejerina), Ladislao Kubala, Andrés G. Leiva, Antonio Lucas, Fco. José Marchante, Concceta Probanza, Luis Angel Puente Román, Juan C. San Roman, Santiago Valenzuela, Isaac Bosch y Malagarriga, Juan E. Esteban, Claudia Ferreras, Lorenzo Gómez, Ignacio González, Carlos Maiques, Rocío del Moral, Francisco Redondo, Carles Román, Gerardo Sanz, Javier Argul, Pablo Auladell, Luis Manchado, Raquel Jiménez, Gustavo Rico, Raúl Sanchez, Santiago Sequeiros, Manuel Ortega, As long as heaven (Javier Botet, Manuel David Pareja, Juan José Alonso), Laperla y Kosinski (Artur Díaz y Marcos Prior), Miguel A. Díez, Pedro F. Navarro, Alex Fito, Fidel Martínez, Tomeu Morey, Grupo Excéntrico (Jose Manuel Robledo, Marcial Toledano, Laura López), Alberto Vázquez, Miguel A. Bejerano, Esther Gili, Gabriel Hernández Walta, Jali (José Angel Labari), Alvaro Ortíz, Fermín Solis, Alejandro Viñuela, Jorge García, Daniel Gª Cuenca, Guitián, Olga Latorre, Lola Lorente, Pedro Rodríguez Rodríguez, han sido los premiados y los accesit de estos certámenes. La mayoria de estos autores hasta su presentación en el INJUVE eran auténticos desconocidos, este certamen ha dado ese apoyo que necesitaba la historieta ese empuje que vino a llenar el hueco que la empresa privada, e importadora recalcitrante, no potenciaba, en el mejor de los casos, o que directamente ignoraba. El INJUVE ha fomentado la nueva creación de manera exponencial llegando en algo más de un lustro a ser un condicionante, o una de las condiciones, que han desarrollado la efervescencia de las pequeñas editoriales donde antes sólo estaba Edicions de Ponent en el ámbito editorial y Como Vacas Mirando el Tren e Idiota y Diminuto en el ámbito del fanzine. El certamén se desarrolló en un primer momento estableciendo un catálogo de premiados, accesit y seleccionados; en su segunda edición, en el año 1999, se eliminaron de la publicación los seleccionados a favor de un mayor número de páginas para los premiados y accesit. En la tercera edición, en el año 2000, el catálogo cobraría ya su forma definitiva uniéndose a la edición los premiados y accesit del certámen de ilustración. El INJUVE otorgaba anualmente tres premios y un número de accesits que variaba entre seis y nueve. Su jurado estaba formado por nombres de reconocido prestigio (4). Garantia de supervivencia e imparcialidad para el evento.


De ConSecuencias

La itinerancia de las exposiciones del INJUVE se realizaba, además de en nuestro pais, a traves de diversas ciudades de Iberoamerica, debido a este hecho y en colaboración con la Dirección General de Bellas Artes y Bienes Culturales y la Agencia Española de Cooperación Internacional, además del apoyo de la Casa de América de Madrid, a partir del año 2000 y con cadencia bienal se inició el proyecto ConSecuencias que consistia en la edición de un catálogo y la creación de una exposición que mostrase la historieta de los paises o areas iberoamericanas. El primer catálogo fue dedicado a la historieta argentina, el segundo comisariado por Felipe Hernández Cava a la historieta brasileña. Se estrecharon lazos entre los autores del INJUVE y ConSecuencias con este motivo se desarrollaban actos conjuntos bien en España, bien en Iberoamérica.

(Continuará...)

Notas

1.”Injuve: Lugares de resistencia”, Jorge Garcia, Trama, nº23, Astiberri, 2003.

2. En 1990, Rafael Bernabeu, Ricard Castells, Juan Luis Corcuera, Mauro Entrialgo, Enrique Flores, Jesús Gras, Manolo, Manuel Nguema, Javier Olivares, Calpurnio, Romance Atónito, Alfons Tamayo y Javier Vazquez. En 1991, Angel Fernández, Fernando Iglesias y Carlos Portela, Linhart, Germán Menino, Isidro Ferrer, Jesús Sanz, Jose Antonio Troya, Miguel Serrano Almagro, Mikel Díaz de Corcuera, Patricia Albajar, Kosta, Rosana Perez, Santiago Sequeiros. En 1992, Alejandra, Alvarez Rabo, Emilio Mula, Fernando Gómez, Gabi, Joan Frau, Julian Garcia Muñoz, Maria Colino, M. Dorada, Mikel Valverde, Miquel Zueras, Pablo Milicua, Rafael Sañudo.

3. Me niego a usar el término de mirada “independiente” o “historieta independiente”; independiente ¿de qué?, ¿de la estupidez, quizás?.

4. A lo largo de los seis años, Jorge Díez, Jesús Cuadrado, Felipe Hernández Cava, Jesús Moreno, Jordi Sanchez, Laura Pérez Vernetti, Victoria Martos, Mariana Chiesa, Pere Ginard, Carlos Portela, Luis Alberto de Cuenca, Angel de la Calle, Francisco Camarasa y los autores premiados Paco Marchante, Carlos Maiques y Lorenzo Gómez.

© Pedro F. Navarro, 2004

(Artículo publicado originalmente en la revista Las Estaciones de Nemo nº31 en el otoño de 2004)

Joe Kubert

Una leyenda viva en el nuevo siglo

Joe Kubert es una leyenda, y sigue entre nosotros ofreciéndonos trabajos de gran altura que no dejan de sorprendernos. Hemos podido disfrutar en pocos meses de las tres últimas obras del maestro, obras nacidas en este nuevo siglo, Tex :El Jinete Solitario, Sgto. Rock: Entre el infierno y algo peor, y Yossel, 29 de Abril de 1943; la humildad y el oficio de este hombre de setenta y ocho años sólo pueden resistir la comparación con otro maestro: Will Eisner.

Su vida. Breve aproximación

Joe Kubert nace el 18 de septiembre de 1926 en un pequeño pueblo al este de Polonia, Yzeran. Emigra junto a su familia cuando todavia no tenía ni dos meses de edad. En el barrio de Brooklyn pasó su infancia, su precoz afan por dibujar ha marcado toda su vida, el deseo de trabajar como dibujante vino inspirado por los comics nacientes de aquella época mágica de invenciones, tres fueron sus principales influencias reconocidas Alex Raymond que realizaba Flash Gordon, Milton Caniff con su Terry & The Pirates y como no podía ser de otra forma Harold Foster y su Prince Valiant. En aquellos años los superheroes no existían.
Comenzó a trabajar profesionalmente como entintador a la edad de doce años para MLJ Publications de la mano de Harry “A” Chesler, en poco tiempo ganaba más dinero que su padre que era un carnicero kosher. Se realizaban comics que costaban 10 centimos y tenian 64 páginas, para aquel niño que nada sabía encontrar trabajo no fue dificil con aquel mínimo de aptitudes porque se tenian que hacer tantas páginas que no suponia una perdida económica importante para la editorial el contratrarlo; dándole la oportunidad de conocer el oficio. Aquel año, 1938, en el més de junio, apareció Action Cómics nº1, nació Superman.
En 1942 publicó su primera historieta Volton en Cat Comics. En estos años trabajó en personajes de la Golden Age como Hawkman, Flash o Zatara, de la mano de Sheldon Mayer uno de los primeros profesionales del cómic que trabajó en All-Stars Comics con personajes de éxito y tuvo un papel importante en la aparición de Superman.


En 1952 participó en el primer cómic que se realizaba en 3-D, Mighty Mouse, de estos años datan innumerables historias cortas y un personaje de propia creación Tor. Conoce a Bob Kanigher que se encargada de la linea de guerra de DC Comics, Our Army at War, GI Combat, Star Spangled War Stories y Our Fighting Forces. A reseñar de entre todas aquellas historias la creación de dos personajes emblemáticos Sgto Rock y Enemy Ace. Sgto Rock fue un personaje tan popular que acabó teniendo serie propia en poco tiempo y ha sido publicado durante más de treinta años ininterrupidamente hasta los años 90. Enemy Ace está considerada como la mejor serie bélica tras los comics que realizaba Harvey Kurtzman a mediados de los años 50.
En el año 1956, bajo una idea de Julius Schwartz, y tras la debacle para los comics que suspuso la aparición del libro del Dr. Frederic Wertham, Seduction of the Innocent, cuando nada más se publicaban nueve comics de superheroes y casi todos ellos eran de Superman o sus epígonos, aparece Showcase nº4 con la historia Presenting the Flash!, Kubert entintaba los lapices de Carmine Infantino y con este cómic se inauguraba la Silver Age.
Entre 1965 y 1967 adapta la novela de Robin Moore, Tales of the green beret, para el Chicago Tribune. Desde el año 1967 y hasta 1976 fue director de publicaciones en DC Comics. Cuando en 1972 Western/Gold Key pierde los derechos de la serie Tarzan, y DC Comics los adquiere, Kubert consigue salir del encasillamiento militar al que estaba forzado. Una serie en la que habian trabajado autores como Hal Foster o Burne Hogarth se transformaba en un trabajo de ensueño para Kubert. En abril de 1972, en el nº 207 de Tarzan, Joe empezó a encargarse de la serie hasta que la dejó finalmente, como editor y guionista, en el nº 250 de mayo de 1976. En este año nace la Joe Kubert School of Cartooon and Graphic Art.
Kubert ha realizado las novelas gráficas Abraham Stone y Tor, en 1996 publicó la aclamada Fax From Sarajevo, basada en la pesadilla que vivió su editor Evin Rustemagic atrapado en la ciudad de Sarajevo durante la guerra de Bosnia. En 1999, Watson-Guptil publica un libro didactivo de Kubert sobre la creación de personajes para el cómic Superheroes: Joe Kubert’s Wonderful World of Comics.
Con el nuevo siglo han aparecido tres trabajos en los que Kubert parece saldar deudas con su pasado, con el western, que ha excepción del fallido Firehair, nunca había realizado un trabajo de gran extensión, con el personaje Sgto. Rock tras más de medio siglo de haber sido creado, y con su lugar de nacimiento y para con una de las grandes vergüenzas de la historia, el exterminio judio.


Tex. El Jinete Solitario

Sergio Bonelli encargó en el año 1994 está extensa narración de 224 páginas a Claudio Nizzi y Joe Kubert. Tras una amplia gestación vió la luz en el Tex Albo Speciale nº15 en julio de 20011.
Esta extensa narración está dividida en cinco partes bien definidas, una primera con el inicio del conflicto mediante la masacre de una familia de colonos que Tex iba a visitar por amistad junto con el enfrentamiento inicial de nuestro heroe con los cuatro criminales. Las cuatro partes siguientes corresponden al enfrentamiento con cada uno de los asesinos. Los villanos son personajes tópicos dentro de la historia del western. El hermano de un ganadero poderoso, el pistolero pendenciero que regresa a su localidad natal, un asesino cuya relación con el sheriff es un tanto oscura, o el indio que ha deshonrado a su tribu.
En esta obra de “genero” Kubert nos da una lección de narrativa al utilizar como nadie un gran número de planos diferentes con una habilidad innata para contarnos una historia que sin querer desmerecer la labor del guionista nos sabe a conocida.


Sgto. Rock. Entre el infierno y algo peor

Este Sgto. Rock se publicó dentro del sello Vertigo de DC Comics el pasado año 2003 consta de una historia de 143 páginas dividida en cinco capítulos y un epílogo. Escrita por Brian Azzarello, es dibujada por un Kubert con un estilo más del gusto actual menos recargado y con un color delirante que enmascara y oculta el lapiz del maestro.
Azzarello envuelve a la Compañía Easy en la batalla del bosque de Hürtgen en la frontera entre Alemania y Belgica en las postrimerias del año 1944, contándonos la clásica historia de superación y valor de unos pocos frente a la acometida de un ejercito superior como el alemán, en retirada, pero con un armamento de mayor calibre. Se añade una subtrama de asesinato entre las filas de la compañía y la necesidad de Rock, como mando, de encontrar al responsable o responsables de este acto inquino en mitad de una batalla.
La resolución de esta batalla y la trama de asesinato se nos cuenta en un capítulo con un elegante montaje en paralelo que resuelve los dos conflictos planteados. Cabe destacar el saber hacer de Kubert a la hora de planificar la página usando en todo el libro una línea de tres viñetas por página y dándonos una lección de narrativa.


Yossel, 29 de abril de 1943

De las tres es posiblemente la obra más conseguida. Fue publicada por Ibooks en octubre del año 2003. No es una historieta sino más bien un relato ilustrado ya que cada página contiene una media de tres dibujos con la ausencia del marco de viñeta, muy al estilo de Will Eisner, y un profuso texto. Se presenta este trabajo bajo el desnudo lapiz del maestro que no duda hasta en dejarnos las marcas de encuadre de inicio del dibujo.
Nos cuenta la historia de Yossel, un niño nacido en la población de Yzeran en Polonia, pero que a diferencia de nuestro autor no emigró a America.Yossel desde muy niño demuestra sus dotes para el dibujo. Poco a poco el horror del Holocausto lo va envolviendo todo primero con el viaje y estancia en el gueto judio de Varsovia y más tarde desde la historia contada por el “rebbe” sobre los campos de concetración.
Una vez más las atrocidades de todos conocidas nos son contadas, el autor consigue que no perdamos en ningún momento el interés por la historia, con la capacidad de fascinarnos una vez más ante la incredulidad de lo que se nos está contando. Esta obra consigue transmitirnos el dolor y el desasosiego que sienten los personajes que no saben bien que es lo que está realmente ocurriendo, que no creen que los nazis deseen realmente exterminarlos.
Esta obra nos demuestra que la edad no es impedimento para la claridad de ideas que desmuestra un Kubert en uno de su mejores momentos creativos.

© Pedro F. Navarro, 2004

(Artículo publicado originalmente en la revista Las Estaciones de Nemo nº30 en el verano de 2004)

Nicolas de Crécy

El sueño de un día de carnaval

Hasta la publicación este año de la trilogía León la Came, Nicolas de Crécy no era más que un desconocido para el público español, del cual sólo habíamos visto un álbum primerizo de su época de estudiante, Bug Jargal. Esperamos que poco a poco esta situación se regularice y podamos ir viendo publicada en nuestro país la obra de este autor tan personal y único como inclasificable.

Un comienzo

Nicolas de Crécy nace en Lyon el 29 de septiembre de 1966. Su primer contacto con una historieta en su infancia fue siendo él muy pequeño y con apenas fuerzas para sujetar aquel enorme libro rojo Rien n’est simple del gran Sempé, “Sin comprender evidentemente el sentido de los textos inscritos sobre el dibujo, quedé fascinado por aquel amasijo de líneas cruzadas, finas y complejas, que describían un extraño mundo [...]. Si era posible viajar sin limites entre los diferentes elementos de la composición, era imposible el comprender como habían podido ser concebidas semejantes imágenes. Era un misterio que me prometí esclarecer.” 1
Estudia Artes Aplicadas en Marsella en 1984, más tarde estudia Bellas Artes en Angoulême en la especialidad de historieta. En 1987 realiza su primer trabajo, un encargo que habían propuesto a Sylvain Chomet compañero de clase por aquel entonces, adaptando el libro Bug Jargal de Victor Hugo, con un estilo aún un tanto mediocre, acaba resultando ser un libro que ambos autores han repudiado y que no suele aparecer en sus bibliografías. Trabaja un año en los Estudios Disney Francia en 1990 realizando fondos y decorados. En octubre de 1991 publica su primera historieta como profesional siendo aclamada por la critica, Foligatto.

Regreso a Eccenihilo

Una ciudad Eccenihilo cuya violencia preocupa a sus autoridades. Una idea para combatirla, organizar un carnaval para que la gente se divierta. Un cantante de opera que triunfa por todo el mundo es oriundo de Eccenihilo, Foligatto. Las autoridades le invitaran para que se convierta en rey del carnaval. Durante el segundo recital de Foligatto su voz huirá.
Una obra de compleja factura, de puesta en escena impecable, de dibujo sorprendente y extraño, con unos decorados y una ambientación barroca que nos sumerge en la suntuosidad de una ciudad que se nos antoja real en pocas viñetas, indudable precursora de la que más tarde será, en la trilogía Le bibendum celeste, New York-sur-Loira. El rojo lo impregna todo y el carnaval es la excusa perfecta para que el autor nos muestre sus capacidades.
Extraño trabajo que supuso con su aparición un avance en la experimentación gráfica del lenguaje de la historieta en Francia, además de un éxito de ventas para indudable alegría de sus editores.


Robo de narrador

El profesor Lombax, desde una posición atípica, se nos presenta al inicio de la trilogía Le bibendum celeste como el narrador de la historia de una joven foca con muletas, Diego, a su llegada a una enorme ciudad industrial y polucionada con una población de trece millones de habitantes hacinados, New York-sur-Loira.
Serafín, un demonio de pocas luces, intentará por todos los medios que la historia no avance como debe para desesperación del profesor Lombax.
A la llegada de Diego las autoridades locales le seleccionaran para un experimento intelectual que desembocará en su elección como candidato ideal a un premio que se otorga cada cien años, el premio Nobel del amor. El diablo, Satanás, una vez fracasados los esfuerzos de Serafín, hará acto de presencia para hacerse cargo de la narración e intentar que no se otorgue este nuevo premio que tantos quebraderos de cabeza le ha dado en el pasado. Serafín eliminará de escena al narrador Lombax robando la historia.
Le bibendum celeste es la primera obra con guión de De Crecy, una trilogía surrealista que parte del clásico argumento de la lucha entre el bien y el mal.
Irónica y desgarradora, se aparta de cualquier regla de la narración para contarnos una historia fresca e impredecible donde los diversos tratamientos gráficos nos van indicando los cambios de narrador. Nos presenta una ciudad roja y gris en contraste con un infierno donde predominan los rojos y los azules. La contraposición entre los “negativos fines” de los notables de la ciudad y las “buenas intenciones” de Satanás es uno de los puntos fuertes de la obra. Verdadero homenaje a los expresionistas alemanes. Una obra imprescindible.

La condición humana

León, el abuelo Houx-Wardiougue, tras treinta años sin tenerse noticias suyas regresa con su familia siendo un revulsivo para todos sus miembros en especial para Géraldo-Georges., Gégé, al cual abrirá los ojos a la vida, haciéndole olvidar sus problemas digestivos. La peripecia vital de Gégé será el principal hilo conductor de esta saga familiar en la mejor tradición de la literatura francesa. Nuestro personaje siempre necesitará de un guía, siendo en este primer álbum su abuelo, en el segundo el libro de Brian Molduren, o en el tercero el enigmático personaje Monsieur Chose.
La trilogía León la came es la segunda colaboración con Sylvain Chomet. Comenzó a publicarse en 1993 en la revista A Suivre. El dibujo más pausado se pone al servicio de la narración y donde antes había diversidad gráfica ahora se impone el autor una austeridad que no le resta ni un ápice de calidad a la obra.


El intrépido reportero

Clarque Quinte orondo periodista que trabaja para el Daily Planete, aficionado incansable a grandes pasteles, recibirá de un benefactor alienigena una naranja que le dará poderes y le transformará en Super Monsieur Fruit.
Los dos volúmenes de Monsieur Fruit son un hallazgo de libertad, sus dibujos han sido desprovistos de cualquier andamiaje académico. Destaca la sencillez demoledora de esta obra dirigida a un público infantil que no por ello pierde su entidad.

Consciencia mitológica

Según Laetitia Bianchi en el prólogo a Prosopopus, este es un animal mitológico que devora por igual tanto grandes cantidades de leche fermentada como hombres., y a cuyo aspecto enorme no le podemos enfundar ninguna apariencia conocida.
Un asesino mata a un hombre, consigue huir y refugiarse en manos de una prostituta. De la mezcla de la sangre del hombre asesinado, del esperma y del humo de un cigarro se creará el prosopopus que en esta obra adquiere tonalidades de conciencia. El autor consigue sin palabra alguna, ya que se trata de un álbum mudo, no sólo un ejercicio de estilo, sino una vez mas una muestra de su saber hacer, de la exquisitez de sus decorados o su puesta en escena. Este libro tan peculiar nos atrapa hasta su última viñeta. Sin lugar a dudas una de las mejores obras del año pasado en Francia.

Un final

Sirva este breve repaso a las historietas realizadas por Nicolas De Crecy como un acercamiento a su obra y al contexto que ésta representa para la historieta del país vecino. Si existe la historieta expresionista quizás sea De Crecy su mayor exponente en la actualidad. Queda pendiente para otra ocasión el poder hablar del trabajo de este autor más allá de la historieta, como sus cuentos y obras ilustradas o su próximo debut como realizador de un largometraje de animación que tras dos años sigue en producción L’Orgue de barbarie.


Bibliografía del autor en Francia

Todas las obras con guión y dibujo de Nicolas de Crécy excepto en las que se indique lo contrario.

• Foligatto. Textos de Alexios Tjoyas. Les humanoïdes associés. 1991 (2ª edición en 1998).

• Le bibendum celeste, vol I. Les humanoïdes associés. 1994.

• León la came, vol I. Sylvain Chomet. Casterman. 1995. (Nueva edición bajo sello Casterman Classiques en 2002).

• Monsieur Fruit, vol I. Éd. du Seuil. 1995.

• Monsieur Fruit, vol II. Éd. du Seuil. 1996.

• Laid, pauvre et malade. León la came, vol II. Sylvain Chomet. Casterman. 1997.

• Priez pour nous. León la came, vol III. Sylvain Chomet. Casterman. 1998.

• La nuit du grand mechant loup. Textos de Rascal. Éd. Pastel, l’école des loisirs. 1998. (Cuento ilustrado).

• Gosse de riche!. Textos de Joseph Périgot. Casterman. Col. Romans casterman dix & plus. 1998. (Libro ilustrado).

• Le bibendum celeste, vol II. Les humanoïdes associés. 1999.

• Plaisir de Myope. Éd. Cornelius. 1999. (Ilustraciones).

• Le roi de la piste. Éd. PMJ. 2001. (Cuento ilustrado).

• Lisbonne, voyage imaginaire. Textos de Raphaël Meltz. Casterman. 2002. (Libro ilustrado con formato álbum).

• Le bibendum celeste, vol III. Les humanoïdes associés. 2002.

• Monographie. Editions de L’an 2. Col. Etoiles de l’image. 2003. (Libro de ilustraciones y ensayos sobre el autor).

• Prosopopus. Éd. Dupuis. Col. Aire libre. 2003.

Bibliografía del autor en España

• Bug Jargal. Sylvain Chomet. Adaptación del libro homónimo de Victor Hugo. Editorial Ikusager. Col. Imágenes de la historia, núm. 16. 1989.

• Léon la came, vol I. Sylvain Chomet. Editorial Planeta-deAgostini. Especial BD. 2004.

• Léon la came, vol II. Sylvain Chomet. Editorial Planeta-deAgostini. Especial BD. 2004.

• Léon la came, vol III. Sylvain Chomet. Editorial Planeta-deAgostini. Especial BD. 2004.

• Léon la came, vol IV. Sylvain Chomet. Editorial Planeta-deAgostini. Especial BD. 2004.

Notas

1. Monographie. Editions de L’an 2. Col. Etoiles de l’image. 2003.

© Pedro F. Navarro, 2004

(Artículo publicado originalmente en la revista Las Estaciones de Nemo nº29 en la primavera de 2004)